Utama - ALEJANDRO LOAYZA GRISI (Alma Films). Publicado en la web Rock and Roll Army

Opera prima del cineasta boliviano que en un tono semidocumental, a ritmo pausado y con la cámara fija en planos amplios, narra las difíciles condiciones de vida en el altiplano andino y la cada vez más amplia brecha existente entre los modos de vida tradicionales y modernos. Lo hace describiendo más con imágenes que con palabras, la austera vida diaria de una pareja de ancianos Virginio y Sisa que sobreviven dedicados al ancestral pastoreo extensivo de llamas. 

 

Dedicación que agoniza por la extrema sequía que pone de manifiesto el grave problema climático global. Alejados de un progreso tecnológico que es precisamente el que provoca la degradación medioambiental de su forma de vida ya de por si dificultosa, los ancianos se verán ante el dilema de tener que elegir si seguir resistiendo en su natural hábitat o adoptar nuevas formas de vida en la ciudad. 

 

Dos mundos lejanos y cercaos a la vez, cuyo nexo de unión es Clever el nieto urbanita de buenas intenciones que llega para tratar de convencer a los endurecidos ancianos sobre la necesidad de trasladarse paradójicamente a la ciudad, que no se muestra aunque siempre está presente y que en eta película es una metáfora muda de un desarrollo insostenible. Tres personajes con carácter, pero entrañables y razonables que chocan con sus argumentos, sobre todo abuelo y nieto, ante la observadora, reflexiva y resignada mirada de la abuela. 

 
Dos mundos obligados a entenderse que solo la cercanía de la muerte en forma de enfermedad parece acercar en una perspectiva en altura, la que ofrece el cóndor en el amplio cielo solo recortado por la vital montaña. Realismo mágico con la que se muestran las señales de la naturaleza que Virginio sabe interpretar, pero no Clever. Señales que el director dirige también al espectador con el sonido del viento, de los animales y principalmente con la continuada y profunda respiración entrecortada de Virginio… que al igual que Dersu Uzaala, el protagonista de la película del mismo nombre dirigida en 1975 por el gran Akira Kurosawa se aferra a territorio y a su forma de vida.

LA URSS - + (Humo Interacional) Publicado en la web Rock and Roll Army

En el nuevo trabajo de la banda granadina, el título se muestra con el signo ‘más’ y con él la banda parece querer jugar con la grafía matemática y la de la cruz. Religión y capitalismo fundidos en la actualidad como único pensamiento: el capitalismo como religión con la tecnología como idea y elemento sustentante. Disco conceptual en letras y músicas que transita por las sendas del pop duro hipnótico y oscuro que mira al horizonte ochentero de baterías monótonas, sordas y contundentes, líneas de bajo muy marcadas y guitarras cortantes y afiladas, sobre las que se alza la voz en repetitiva arenga ‘Euroorden’ que se extrema en ‘Fe’ y brilla desde la profundidad en ‘Euforía’ Eso sí, con una marcada vocación melódica que evoca un agridulce pasado en confrontación con un claustrofóbico presente en forma de riffs ruidosos. ‘Armonía’ frente ‘Apocalipsis neutro’. Marcadas impresiones que cicatrizan despacio… y entre las que se cuela una curiosa y atinada anomalía ‘En verdad’ donde, sin perder su esencia, se inspiran en la hondura popular de las cadencias meridionales de su tierra. 

Clases de actuación - NICK DRNASO (Salamandra Graphics). Publicado en la web Rock and Roll Army

Diez personas coinciden en las clases de actuación que imparte un misterioso profesor. Los alumnos que forman su peculiar grupo tienen una cosa en común: son unos inadaptados, no encajan en su entorno, y están desesperados por cambiar lo que les sumergirá de lleno en las enseñanzas del inquietante maestro les exigirá una entrega cada vez mayor según avanzan las sesiones. Un teatro frío en el que más que personas parece que actúen impersonales autómatas a partir del cual, el autor retrata con brillantez la alienación de los seres humanos. 

 

Una metáfora que parte de la quiebra moral de la sociedad norteamericana de la postverdad, para hacerse extensible al resto del mundo. Páginas y viñetas perturbadoras e intrigantes en su forma: esquemática y repetitiva, con figuras estáticas, poco perfiladas y sin apenas movimientos. Incluso con personajes de rasgos muy parecidos que se mueven en espacios interiores diáfanos y exteriores agorafóbicos… 

 

…todos ellos en colores vahídos de tonos grisáceos. Es difícil en algunos momentos distinguirlos quizás como reflejo de esa estandarización social que nos aísla como simple masa ciudadana. Las escenas se suceden de forma lenta incluso mórbida plasmando con acierto el aislamiento y miedo escenificado en esta especie de farsa en la que se mezclan además fantasía y realidad, lo que permitirá al lector abrir posibles interpretaciones. Parece que no pasa nada aunque las páginas pasan, 267 en total, y aunque no parezca llegarse a conclusión alguna, va dejando poso, para ser una de esas agraciadas obras que se disfrutan después de haberlas acabado, incluso pasado algo de tiempo, entre el leve y extraño recuerdo de lo visto y leído.  

VIAGRA BOYS - Cavern World (Year001/Popstcok!). Publicado en la webRock and Roll Army

En su ercer trabajo los de Estocolmo se mueven por los terrenos del post-punk sofisticado y ruidoso, de instrumentación frenética como también lo es la voz de su líder y cantante Sebastian Murphy que escupe críticas proclamas sobre los temas pandémicos conspiratorios que aún colean. La banda sueca se desata lenguaraz y un tanto hooligan ‘Troglodyte’ en una montaña rusa sónica, pero no se queda ahí. Tras algunas concesiones para tomar aire, como son los tres breves interludios que aparecen a lo largo del disco, dan un paso hacia adelante ‘Baby criminal’ es un progresivo, contundente…  y sobre todo bailable experimento punk cuyo saxo trepana hasta las mentes más estables. Una composición no exenta de cierta  épica en su versión más enfadada, que recuerda al Nick Cave más salvaje e histriónico. 

 

Fuerzan la máquina en ‘Creepy crawlers’ tensa y claustrofóbica pieza industrial y en ‘Big Boy’ ochentero recitado en el que cuentan con la colaboración de Jason Williamson la voz del dúo Sleaford Mods o ‘ADD’ un juguetón techno de ritmos sincopados que no se va de la cabeza. Se deslizan incluso sobre terrenos resbaladizos sin perder el equilibrio en ‘The congnitive trade-off hypothesis’ una pieza de soul deconstruido y futurista,  además de atreverse con un apocalíptico trance punk ‘Ain not thief’, asumiendo riesgos con los que fortalecer una propuesta que mira hacia adelante.

WIDOWSPEAK (10-11-22) Moby Dick - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

Con los entrecortados guitarrazos Robert Earl Thomas seguidos de la acogedora voz de Molly Hamilton en la canción que da título a su último disco «The Jacket», los de Brooklyn comenzaron una actuación marcada por los contrastes, los de unas canciones que se iniciaban entre el íntimo sosiego de los acordes templados, avanzaban entre punteos afilados pero cristalinos y en algunas de ellas culminaba en fogosos arrebatos instrumentales a los que la batería (de insistentes y muy marcados ritmos) se unía con entusiasmo.  

 

Contraste entre un público que los recibió con un respeto solemne en su silencio y atención, embaucado por la hipnótica «Gun Shy» de su homónimo primer disco, o la embriagadora «While You Wait» con el mellotrón como sutil protagonista, desperezándose tímidamente al ligero trote con «The Good Ones» y «Plum», ambas del anterior disco, para… mostrar su ánimo y predisposición con «Slow Down» y «The Drive», punto de inflexión con su aluvión de variados punteos y demás arreglos instrumentales con los que algunos, incluso aullaron. Extrovertidos momentos que se fueron desbordando de forma contenida en la alegre y más pop «All Yours» 

 

Contraste ente el progresivo galope  de «Forget it» que recordó a Dean Warehan-Luna y el sedoso susurro de «True Blue» que hizo lo propio con Hope Sandoval-Mazzy Star concluyendo en la árida tensión de la inquietante «Eveyting Is Simple» 

 

Contraste en el final, con la pausada «Harsh realm» que Molly, cercana gestualmente pero poco habladora, presentó como una canción de hace doce años (volviendo a su estreno discográfico) y «Money» que en su parte final se desparramó en un torbellino de distorsión eléctrica con la que concluyó algo más de una hora de actuación que supo a poco.

 

THE LOUNGE SOCIETY (8-11-22) Siroco - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

 

La irrespirable y opresiva realidad británica, como reflejo de una Europa que sigue el mismo guión, pero de la que se desmarcan, provoca que sus ciudadanos más concienciados se manifiesten de forma activa contra un modelo socioeconómico que… no cuenta con ellos y acelera las desigualdades de forma exponencial. El brexit, como mecha que prende la llama, ha sido un punto de inflexión que musicalmente sitúa a las islas en un punto similar al que generó la oleada punk el siglo pasado. 

 

Desde Bristol, Brighton o el South London jóvenes bandas muestran su enfado y expulsan su rabia a base de aceleras guitarras e inteligentes letras críticas lanzadas con rabia y apuntando alto. Idles, Squid, Shame... y desde Yorkshire los últimos en llegar son estos cuatro jovencísimo y solventes músicos que no desaprovecharon su primera visita a España para dejar clara su visión al respecto.  

 

En apenas una hora, no fue necesario más, presentaron casi al completo su estreno en formato largo el irónicamente titulado ‘Tired of Liberty’, una montaña rusa de guitarras frenéticas y ruidosas en torno a los tres minutos de duración con las que no dieron respiro a un curioso público (atento a lo nuevo, pero de difícil clasificación)   en un ir y venir por el escenario entre un ir y venir de instrumentos constante ¡los intercambiaron en todas las canciones!  

 

Cacharrearon a sus anchas con los pedales de efectos y se movieron frenéticos con la arrogancia justa y la suficiencia necesaria propias de su ímpetu juvenil en una actuación intensa y veloz en la que demostraron manejarse entre el caos de ruido de Sonic Youth en «Blood Money», las atmosferas duras y oscuras de Joy Division en «Remains» y las arritmias delirantes de P.I.L en «People are Scary»…(los títulos lo dicen todo) hasta un punto jamaicano a lo “Clash-Sandinista” en «It’s just a ride» alternando con soltura y en escasos breves segundos diferentes cambios de ritmo que la batería marcaba con precisión. Enseñanzas bien aprendidas con las que se posicionarse.

DANI LLAMAS + La Joya (4-11-20) Moby Dick - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

Ante un público repartido entre gente del sur, y gente de la central urbe, el jerezano presentó las canciones de ‘A fuego’ su segunda incursión a modo de disco en la tradición popular andaluza: coplas, fandangos, bulerías, alegrías… que Dani interpreta de forma muy particular, impregnado de los sonidos eléctricos con los que ha crecido como músico. 

 

Una actuación que se pasó volando, y es que al margen de las canciones, la noche fluía entre comentarios, datos, anécdotas y algún que otro chascarrillo que… desde el escenario Dani contaba con fines didácticos sobre los distintos palos del flamenco en los que se inspiraba cada canción; y que tocaron como comentó, sin vergüenza, y en algunos casos muy a su manera.  

 

Palos al margen, las canciones funcionaron en su formato rock con banda al completo, con las dos eléctricas como protagonistas junto a la voz de Dani que se esforzó en los tonos más exigentes, dotando de trascendencia un repertorio interpretado con respeto… sintiendo lo que cantaba, muy metido en las historias, tanto individuales «Romance de Juan García», como colectivas «Caulina», que sonaron honestas y sentidas. Emocionantes también «Ya no siento los golpes» o «El mundo es un desengaño»  

 

Musicalmente más extrovertidas brillaron «Fui piedra» y «Fandangos de la libertad» del su anterior disco ‘La verdad’ del que curiosamente se “olvidaron” de la estimulante canción que le da título, como también de la imprescindible «La ley» del disco a presentar… y deslumbraron instrumentalmente con la emocionante y acelerada «Que bien me suena tu nombre», que ya cantó en el pasado siglo José Menese dijo Dani. Entre canciones y explicaciones, Dani afianzó, de forma explícita y no solo con sus canciones, su compromiso antifascista, firme, pero en tono desenfadado  sin perder la sonrisa, para despedirse agradecido de ver caras conocidas y sobre todo muchas no conocidas.  

 

La Joya abrió el concierto. El  proyecto formado por Manel M. Hontoria y Ricky Lavado, experimentados en múltiples batallas musicales: Standstill, Nudozurdo, Egon Soda, The New Raemon… solventaron con creces el difícil reto de ver como la sala acogía poco a poco a un público que no era el suyo, pero que supo apreciar esta propuesta siempre complicada de formato guitarra y batería, más aún si de instrumentales se trata, como era el caso. Postrock de riffs sucios y punteos afilados con torbellinos de distorsión y ruido que se alternaron con momentos de calma oscura con los que la gente se fue acercado con curiosidad al escenario.

 

Moonage Daydream - BRETT MORGEN (Public Road Productions, BMG, Live Nation Productions) Publicado en la web Rock and Roll Army

El cineasta de Los Angeles especializado en documentales vuelve a mostrar su talento mostrando con maestría la cambiante figura del artista británico. Lo hace manejando a la perfección tanto aspectos formales como técnicos. Con respecto al los aspectos formales maneja las dos horas y cuarta de duración de la cinta más como una película de ficción que como un documental. Con el propio Bowie como narrador en primera persona según el material extraído  de conversaciones o entrevistas grabadas en video. Marcando un ritmo que en ocasiones se hace frenético en relación directa a los constantes cambios del protagonista… pero frenando cuando se hace necesario.  

 

Con respecto a los aspectos técnicos muy ligados a los formales teniendo en cuenta la importancia del ritmo que imprime el director a la narración, permite junto a la selección de imágenes y músicas, estás últimas a cargo de Tony Visconti uno de sus principales productores en vida, que no se haga nada largo el metraje ya que además se alternan de forma muy vívida: giras mundiales, entrevistas en televisión, escenas de películas tanto propias actuando, como ajenas e influyentes que reflejan las ideas,  preocupaciones y reflexiones existenciales del artista que lo llevarán a
componer su tipo de música. Las distintas formas de pensar y su evolución expresadas en un discurso inicialmente titubeante que evoluciona hacia la asertividad, reconociendo su propio tránsito hacia la madurez.  

 

Alejado del biopic al uso, es una obra más sensorial que racional, en la que los datos biográficos, no se obvian, sus estancias en Los Angeles y Berlín  por ejemplo, pero siempre al servicio de la influencia artística y personal de Bowie: principalmente en su juventud la reconocida influencia de su hermanastro mayor Terry que le descubre un fascinante mundo cultural alternativo y en su madurez Imán su mujer hasta su muerte, que le ayudo a reconocerse… y más importante mostrarse como si mismo, no solo como el artista de éxito.  

 

Excelente montaje trabajo de montaje que, aún pareciendo caótico, no lo es, ordenado de forma cronológica, no es esta como una imposición narrativa sino como un recurso con el que hilvanar la rica y sugestiva muestra sonora y visual. Estética imbricada a la personalidad del personaje y la persona que parecen ir reconociéndose y aceptándose a lo lardo de del colorida viaje vital del protagonista. Por último, pero no por ello menos apreciable… lo primero que al espectador se le pasa por la cabeza tras finalizar su visionado es escuchar sus discos y canciones.

 

ACID MOTHER TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O. (26-10-22) Moby Dick - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

Cuatro años después de su última visita y en el mismo lugar, regresaron los nipones puntuales a una cita que solo la pandemia ha logrado evitar. Los devotos del sonido psicodélico extremo respondieron de nuevos a la llamada del templo y llenaron la sala para la ritual liturgia ácida. 

 

Los de Nagoya, entre constantes nubes de humo (durante toda la actuación), parecen habitar épocas y mundos distintos con su aparente trascendencia física… y sonora, que desde el inicio quedó patente en un  bucle continuo y minimalista de largos desarrollos de punzante  pegada instrumental, dividida en cuatro tramos (el concepto canción no se adecúa a esta propuesta) en los que la voz de Jyonson Tsu apareció en contadas ocasiones, centrándose más como segundo guitarra.  

 

Desbordante  tramo inicial en torno a media hora, en el que la guitarra de Kawaka Makoto como maestro de ceremonia, toma el mando, aunque escoltado por el sintetizador de Higashi Hiroshi. El primero insiste obsesivamente con repetitivas variaciones en círculo, extremando las seis cuerda, mientras que el segundo hace lo propio forzando al límite los volúmenes hasta confundir distorsión con acople de sonido.  

 

Perturbadora segunda parte de similar duración que se inicia en un mar de la tranquilidad, ‘Pink lady lemonade’ parece, aunque… después de muchos minutos en calma tensa estalla en cráteres desde los que emanan sonidos que arañan y hieren entre ritmos deconstruidos y potentes. Difícil distinguir unos títulos que parecen transformados mientras se enganchar unos a otros.  

 

Embaucador el siguiente intervalo de algo menos de duración que comienza apocalíptico, pero deriva en un sorprendente ritmo con la batería de Satoshima Nani como protagonista, con un repetitiva pero extrovertida percusión un tanto carnavalesca incluso, para dar paso a un animado brote de instrumentación cercana a las bandas sonoras de ‘serie b’ con el que los fieles se movieron y hasta hubo algún conato de baile.      

 

Esquizoide el episodio final y en parecido minutaje, en el que guitarra y sintetizador vuelven a tomar protagonismo creciendo en tonos inquietante que se fueron tensando progresivamente hasta tomar velocidad y acabar en un loco sprint instrumental en todo lo alto. Después bajaron del escenario y tocaron tierra mientras amigablemente atendían al ‘merchandising’: hablando, sonriendo… hasta el próximo sacramento lisérgico.

 

 

LOS ENEMIGOS - Universarios 3 y 4 (28/29-10-22 (Lula Club - Madrid). Publicado en la web Rock and Roll Army

El largo fin de semana vacacional y alguna cita festivalera, provocaron una menor afluencia de público en la tercera cita de los Universarios enemigos; y un ambiente de inicio más frío que los tumultuosos dos primeros conciertos de quince días antes. Con las banda más engrasada y sin fisuras, salvo problemas de sonido en forma de acoples y Josele luchando con los pedales de su guitarra, llegó el turno de celebrar las canciones de ‘Nada’ disco de 1999 y último en estudio de su primera etapa.  

 

Fino con algo más de protagonismo cantó «Razas de Caín», «No se lo cuentes» y en el tiempo de interpretar repertorio abierto «Océano». Presentaron como inédita en directo «¡Con dios!» y curiosamente fue muy celebrada la íntima «Ná de ná». En «An-tonio»  y rescatando canciones de otros discos «Alegría», el protagonismo fue para Chema con muy buenos momentos en la batería, a base de percusión en la primera e incluso bongos en la segunda, aportando sonoridades diferentes y muy vivas al aluvión de guitarras de la banda. El respetable comenzó a animarse.

 

En el capítulo de faltas, de este disco no tocaron el instrumental «TTL» que hubiera funcionado bien como ‘intro’, «Claro que arde» y sobre todo «Héroe o basura» que alguien pidió tímidamente, pero con «Animal» se acabo ‘Nada’ y comenzó el rico y fructífero viaje por la máquina del tiempo enemiga, peregrinaje sonoro con el que los fieles, ya si… se lanzaron al desenfreno del más o menos repertorio habitual de estas sesiones. Sin sorpresas, pero siempre estimulante para los que ésta era su tercera presencia y arrebatador para los que se estrenaban (se vieron caras nuevas).  

 

El día siguiente tocaba despedida con dos discos para la ocasión ‘Tras el último no va nadie’ de 1994 y el aun reciente y sobre todo vigente ‘Bestieza’ mejor disco hace un par de años para esta revista. Con un ambiente más animado de inicio y con la banda sonando firme y sin fisuras, con mucho brío y soltura fueron sonando las canciones directas y arrolladora que si en estudio suenan como un torbellino, en directo multiplicaron su efecto huracanado: «Mar de sendas», «Vendaval», «La ofensa»  y «Menos que un perro» más «Las tornas» que por su empuje se con buen criterio entre el repertorio moderno. 

 

Del gato pasaron al perro dijo Fino señalando los carteles luminosos de las portadas, aunque fueron alternando ambos, junto a los primeros clásicos que no faltaron ninguna de las cuatro noches celebradas. «La espera» y sobre todo «Sin hueso» fueron muy bien acogidas, con emoción la primera y trascendencia especialmente la segunda, además de «La carta que no» que no ha faltado en los bises durante este ciclo como recuerdo a los amigos que quedaron en el camino.  

 

Volviendo al febril guitarreo ¿Por qué yo? produjo loca algarabía tras veintitantos años sin aparecer en directo en una jornada más divertida para el público que se hizo el cuatro por cuatro, al disfrutar con los discos de más canciones “nuevas”, pero también para el resto con el demoledor repertorio clásico: «Desde el jergón», «Carnaval», «La cuenta atrás», «John Wayne», «Complejo», «Septiembre», «Dentro», «Paracaídas»… en un final de delirio colectivo rematado con el actual y nuevo clásico «7000 canciones». Emocionante epílogo para un esfuerzo de resultados  satisfactorios.