Luzu - ALEX CAMILLERI (Pellikola)

El título de la misma, hace referencia al nombre del habitual bote de pesca utilizado en Malta para la pesca en zonas cercanas a la costa. Uno de ellos es propiedad un joven pescador que sigue la ancestral tradición familiar ganándose la vida… más bien  sobreviviendo en uno de ellos. El luzzu de Jesmark, el protagonista hace aguas y ha de llevarlo a tierra para su arreglo. 

 

Esto provocará que su difícil situación económica se extreme, pues además de no poder salir a faenar, la reparación es cara, a lo que se añade la difícil situación familiar con su pareja Michela en empleos precarios y un bebe cuyos problemas de crecimiento provocan un gasto extra en alimentación especializada.

 

Los problemas individuales de la pareja se muestran como una metáfora del drama colectivo que sufre la población afectada por… una más de las globalizada crisis económicas que asolan a la clase trabajadora, en este caso la crisis de la pesca que, bajo el control de la Unión Europea, se concretadas en el proceso de reconversión conocido como Programa de Reducción de Flota Pesquera.  

Estas políticas provocarán un dilema moral en el protagonista extensible al resto de la población: Aceptar las condiciones y traicionarse a uno mismo poniendo fin a una forma de vida heredada que lleva implícita un fuerte arraigo familiar y social… o traicionar la honradez de uno mismo continuando con una actividad deficitaria y sin futuro que no asegura la supervivencia familiar y cuya única solución es atajar por la vía fácil, la que ofrece la ilegal pesca furtiva, conectada directamente con la corrupción administrativa que tirando del hilo de la caña de pescar… acaba finalmente en política. Veladamente acusada en esta película de ser la que ofrece ambas vías. 

 

Interesante debate el que ofrece esta modestísimo largometraje acertadamente hablada en maltés (no en inglés) y con actores no profesionales, que muestra un drama matizado por una luminosa y costumbrista imagen de la Malta auténtica al margen de los tópicos turísticos, actividad que como bien refleja este modesto largometraje… no es la solución. Un drama certero mostrado de forma sencilla y natural, en relación con el neorrealismo y casi de forma documental, totalmente alejado de lo escabroso e incluso morboso que ofrecen otras películas de similar fondo temático. 

 

George Sprott 1894-1975 - SETH (Random House Mondadori). Publicado en la web Rock and Roll Army

George Sprott 1894-1975’ es una novela en imágenes según indica su portada, firmado por SETH seudónimo de Gregory Gallant. El historietista canadiense reflexiona de forma existencial, casi metafísica sobre la vida a través de un personaje ficticio con trazas de real, el protagonista que da título a la obra, un hombre que dedicó gran parte de su juventud al estudio de las latitudes árticas y a su divulgación en un programa de televisión local durante casi toda su vida. 

 

Un hombre por tanto con cierta influencia pues sin llegar a ser alguien famoso, tampoco es anónimo pues tiene una considerable audiencia y cierto grado de influencia. En este sentido la obra es también un pequeño homenaje a los medios de comunicación, sobre todo la televisión de finales de los 60 y años 70’ como elemento ayudó a consolidar el estilo de vida norteamericano que desde lo local conseguirá crear un ideal colectivo previo a la posterior globalización de los medios de comunicación en red.

 

Una historia dividida en distintos capítulos, que ocupan una cara cada y en la que diferentes personas que le rodearon hablan sobre él, conformándose así una especie de puzzle con el que aproximar al lector la figura del protagonista desde distintas perspectivas… a veces antagónicas, por lo que cada lector creará su propia imagen sobre la personalidad de George. Un narrador que se reconoce así mismo como caótico exponiendo los distintos episodios de forma aleatoria, sin guardar la línea cronológica temporal, ayudará también a crea esa visión de Geroge no del todo definida. 

 

Aunque el autor da pistas, sobe el personaje con la inclusión de unos acertados capítulos en flashback donde aparecen momentos de la infancia, juventud y madurez de George en los que predomina la imagen sobre la palabra… acercamiento eso sí, sin certezas. Pocas respuestas pues a las tantas preguntas  planteadas en el fragmento que ha introducido esta obra… pues lógicamente no las hay… ya que son los grandes enigmas existenciales de la humanidad. Desde el principio hasta el fin.

 

Compartimento nº6 - JUHO KUOSMANEN (Elokuvayhtiö Oy Aamu, Achtung Panda! Media, Amrion, Kinokompaniya CTB, Eurimages) Publicado en la web Rock and Roll Army

‘Rail movie’ escenificada en un tren muy alejado de sus días de esplendor, incluso cutre, el Transiberiano de los años posteriores a caída del comunismo. En él, los dos protagonistas viajan desde Moscú hasta Múrmansk en el Círculo Polar Ártico teniendo que compartir estancia. Dos personas que en principio, más que antagónicas… parecen incompatibles hasta el extremo. 

 

Solo una de ellas Laura, ha sido previamente retratada por el director, que aunque sin profundizar mucho, en un preámbulo necesario pero que  despista pues parece otra película, retrata al personaje como una joven finlandesa un tanto anodina e insegura, aspirante a arqueóloga que estudia en Moscú, donde mantiene una relación sentimental con Irina una mujer activa y acomodada en el círculo cultural de la ciudad cuya relación se muestra como desigual, como desiguales son los mundos en los que viven… idealizando la joven Laura la forma de vida de la más madura Irina. Juntas iban a realizar el viaje para visitar la citada área del norte donde se encuentran unos petroglifos prehistóricos. 

 

Finalmente Laura realiza el viaje sola y es aquí donde comienza la historia… en el claustrofóbico espacio del compartimiento del vagón de tren en el que se encuentra con Ljoha, un ruso con el que tendrá que compartir viaje y cuya presencia es la de un auténtico gañan, borracho y con atisbos de peligroso real por su actitud y lenguaje del que poco se sabe de su vida aunque se intuye.

 

El agobio se acentúa tanto en el interior como en el exterior, por la aplastante atmósfera del invierno ruso en el nunca parece ser que sea de día. Interiores y exteriores excelentemente iluminados con tonos ocres y amarillo vahído los primeros, con los que el director muestra una decadente  aunque cálida nostalgia.

 

La película fluye al ritmo de la vieja máquina, le cuesta arrancar, pero con paciencia, la del espectador, ira avanzando con parsimonia y centrando su objetivo al igual que las vías del ferrocarril dirigen el destino de esta historia cuyo trayecto es el principal valor de la misma y no el destino final. El empeño por llegar como excusa para dejar atrás parte de una vida poco perfilada pero llena de dudas... sobre todo ella. 

 

La narración se compartimenta según el tren avanza hacia el norte, parando en las cada vez más, destartalas, inhóspitas y frías ciudades. Paradas más o menos largas donde se suceden breves episodios que serán clave para el acercamiento de ambos personajes que de forma creíble gracias a las buenas interpretaciones de Seidi Haarla y Yuriy Borisov irán, si no entendiéndose si aceptándose… en buenas e inesperadas escenas como la surrealista estancia de ambos en casa de una mujer supuestamente madre de Ljoha… y es que el humor… a la finlandesa y el absurdo, junto al alcohol, no faltan en esta cinta en cuyo ambiente el cine de los reconocidos Mika y Aki Kaurismaki. 

 

El viaje llega a su destino, en un muy magnífico tramo final en el que… entendiendo los sentimientos sin necesidad de palabras, la aceptación gradualmente se ha convertido… más que en amor en cariño, o al menos no en un amor convencional, pues ambos son conscientes de lo que son y pueden dar. Llegar a los petroglifos que estudian Laura y Ljoha por fin interioriza en su vocabulario servirán como metáfora tanto de un mundo antiguo más allá del retrato de la  Rusia comunista que hace el director finés, como de las vidas de ambos… ‘conocer el pasado es aceptar tu presente para afrontar un futuro… sea este estando juntos o no.

BIZNAGA - Bremen no existe (Montgrí). Publicado en la web Rock and Roll Army

‘Bremen no existe’ cuyo título, como si de un ensayo literario se tratase, se acompaña del subtítulo ‘Música para otra generación perdida’ junto a su portada se presenta como metáfora de la famosa fábula de los hermanos Grim ‘Los músicos de Bremen’.

 

En él Biznaga continúan evolucionando  desde el punk crudo y oscuro de sus inicios hasta el más afilado y sofisticado ‘Gran Pantalla’ su anterior disco, con el que se pusieron el listón muy alto y ahora, con su cuarto lanzamiento ya completo tras adelantar varias canciones, se confirman las expectativas y se consolidan como referente de parte de una generación critica que no se queda solo en la estética sino que escarba en un discurso trabajado a conciencia y ensamblado musicalmente. Punk contemporáneo de actitud y mensaje perdurable, no exento de autocrítica y  cinismo y muy alejado de la proclama fácil.  

 

Sin perder la energía ni la actitud combativa, tanto la voz como las guitarras se vuelven algo más luminosas, al servicio del estribillo coreable pero rabioso, sin abandonar ¡eso sí! el tono desencantado y amargo, donde no faltan interesante referencias literarias ¡como no! bajo un discurso de poso nihilista perfectamente construido sobre guitarras exaltadas y urgencia juvenil expresada en letras comprometidas con su tiempo y atemporales a la vez, haciendo de la protesta diversión y reflexión.

 

‘Línea de sombra abre con desgarradora en voz, tamizada por luminosos teclados que emergen de la oscuridad, al igual que lo hace la voz de Isa (Triángulo de Amor Bizarro) en ‘Domingo especialmente triste’ donde las guitarras comienzan a afilarse. Sonidos que en ‘Espíritu del 92’ y ‘Madrid nos pertenece’ se atemperan mínimamente en melodía impregnada de tenebrismo dulce y cuyas letras se complementan como causa - consecuencia. Del estallido colérico de ‘Contra mi generación’ y ‘Todas la pandemias del mañana’ al salvaje lirismo de ‘La escuela nocturna’ y el agridulce y esperanzador cierre de ‘Una historia de fantasmas’… disco perdurable seguramente más que para las generaciones actuales, para las anteriores. 

 

La hija oscura - MAGGIE GYLLENHAAL ( Endeavor Content, Faliro House, Pie Films, Samuel Marshall Productions)

La directora norteamericana adapta el libro del mismo nombre publicado en 2006 por Elena Ferrante. Una historia sobre la maternidad protagonizada por Leda Caruso, interpretada brillantemente por Olivia Colman (ya conocida por su trabajo el pasado año en la recomendada El padre dirigida por Florian Zeller). En esta cinta se pone en el papel de una profesora de lengua y traductora de vacaciones en Grecia… relativas pues el trabajo intelectual no descansa ni en la playa.

Allí se encuentra con una ruidosa y tradicional familia italoaméricana, con la que comparte únicamente origen pues sus caracteres son totalmente opuestos. Observando sus relaciones con los niños recordará su propia experiencia maternal… que se va mostrando mediante flashbacks la experiencia vivida por la protagonistas con respecto a sus hijas, de las que vive alejada.

 

La narración fluye en paralelo, mostrando el presente y el pasado aunque de forma ordenada, mostrando al espectador diferentes hechos con los que tratar de explicar las peculiares… e incomprensibles por anómalos, actos y comportamientos de la protagonista. El pasado de Leda interpretado por la joven actriz irlandesa Jessie Buckley muestra una difícil relación entre madre e hijas donde los sentimientos de amor y odio se extreman sin término medio.

Leda madura y en el presente parece culparse a si misa por su pasado e intenta redimirse, aislándose y tomando un punto de vista de observadora objetiva y  neutral de la realidad que le rodea, lo que provocara que sus actos resultan alejados no ya solo de cualquier emoción sino de racionalidad por momentos. De esta manera Gyllenhaal va tejiendo un retrato nada convencional de la maternidad, muy alejado de la idealización que la sociedad presenta en sus distintos mensajes de realización personal femenina.

Es además una no excluyente visión femenina de la edad adulta. Bien narrada y ambientada en sus diferentes lugares y tiempos la actual y vacacional costa y la pasada y cosmopolita urbe, donde la iluminación consigue crear un halo constante de nostalgia con el que el espectador consigue entrar en la trama ayudado además por cierto halo de misterio y tenue suspense, en ocasiones también de hilarante surrealismo, provocadas por las distintas situaciones.

 

 

REPTALIENS - Multiverse (Rough Trade-Popstock!) Publicado en el nº 402 de la revista Ruta 66

Como indican en el título de su cuarta entrega, el cuarteto ahora reconvertido a dúo -Bambi y Cole Browning- parece recrear un universo paralelo al margen de sus anteriores discos, alejándose del pop sintetizado para adentrarse en un drempop de guitarras y baterías de querencia noventera. 

 

Consiguen atrapar con poco pero bien equilibrado, con una voz de ensueño como protagonista que se alza entre un entramado instrumental de guitarras concisas y baterías básicas «Like a dog» que se desborda en eléctrico caos «In your backyard» 

 

Los de Oregon no renuncian del todo a los sintetizadores de cadencia suave «Jump» situada como epílogo de un disco en el que se adentran sin miedo… y sin estridencias en los terrenos del tropicalismo ligero y bailable «Go away» o «Someone I know», incluso  experimentan con atmósferas progresivas «I can’t hide», aunque son más los momentos en los que todo fluye entre el infalible y adictivo orden melódico de ritmos precisos y voz reposada «Feel fine» o «Take it». 

PINEGROVE - 11:11 (Rough Trade-Popsctock!) Publicado en el nº 402 de la revista Ruta 66

En su tercer disco, los de New Jersey musicalmente se mueve entre el ramalazo eléctrico  de canciones como «So what», «Cyclone» o «Alaska» y el pop-rock vibrante de guitarras que incitan a saltar… junto a medios tiempos como «Let» o «Swingin» además de un poso country que se muestra explícito en la radiante «Flora». 

 

Bucean además entre densos y emocionantes tiempos lentos que van creciendo buscando la luz en «Respirate», o la vitalizante «Iodine» donde brilla la guitarra acústica, los coros y las armonías vocales en una melodía de tintes folk esperanzadora, y es que el general tono agridulce de las canciones queda reflejado en unas letras en las que Evan Stephens Hall propone canalizar el enfado y la rabia vividas por la actual situación mundial con optimismo y solidaridad. 

 

Cuestiones no explicitadas en la cuestión vírica sino que se concretan en las indiferentes políticas sobre el cambio climático «Orange», o las injusticias y abusos raciales o la decadencia de la sociedad «Habitat.