Rompecabezas de moda y perfección moral –ORNAMENTO Y DELITO
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Most Beautiful Songs For Andy Warhol's Screen Tests –DEAN & BRITTA
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En el mejor de los lugares, el patio de butacas de un vetusto teatro y en el mejor momento, un domingo noche tras la resaca de un fin de semana plagado de conciertos... llegó el sosiego. Se presentó en directo la conexión entre Tucson-Arizona (Howe Gelb) y Córdoba-Andalucía (Fernando Vacas) formalizada en el disco "Alegrías" que ambos han grabado junto a The Band of Gypsies encabezada por el sevillano universal Raimundo Amador.
Con el público más heterogeneo que se haya visto en tiempos, apareció Howe con su banda de gitanos. Todos sentados y con una trascendencia en los rostros que pronto desapareció, ya que el ambiente de relajación voló por el escenario, tanto en los músicos con un dominio aplastante de sus instrumentos, como en Gelb, cómodo en sus juegos malabares con la guitarra y arrepanchigado en su silla como si fuera un sofá, pero preciso y conciso con el sonido de sus cuerdas.
La actuación tuvo dos partes bien diferenciadas. En la primera más académica se presentaron las canciones de "Alegría", un disco de fusión de talentos más que de sonidos, ya que predominan composiciones basadas en el rock árido del Giant Sand, al que se añaden guitarras, percusiones y coros flamencos que en ciertos momentos tomaron la iniciativa con la guitarra de Howe en segundo plano. Así fueron sonando con un sonido nítido y a ldetalle "4 door maverick", "Uneven light of day", "The ballad of Lole y Manuel"...
En la segunda parte, Raimundo brilló con la eléctrica y los músicos comenzaron a intercambiarse instrumentos, dando lugar a la improvisación y las versiones sorprendentes como "Should I stay or should I go" de The Clash y una casi irreconocible "Raider of the storms" de The Doors. Otras versiones más previsibles pero no por ellos menos emocionantes fueron "El lago" de Triana y "Camaron" de Pata Negra.
Hubo espacio para todos, para el propio Gelb sólo con la guitarra, acompañado únicamente de un cacharrito de ruidos disonantes que funcionó mejor cuando todas las guitarras sonaban, que cuando lo hacía en solitario la de Howe.
También protagonismo para la banda con Lin Cortés que dejo su guitarra en dos ocasiones para pasarse al micro unas veces y a la percusión otras, lugar ocupado por Antonio Fernández Añil que en esos momentos se pasaba a la guitarra para acompañar al otro guitarrista Juan Fernández "Panki". Howe Gelb como maestro de ceremonias y Fernando Vacas como escudero atento, iban y venían del escenario confiados, mientras la banda con Raimundo al frente hacía de las suyas hasta el desenfreno eléctrico.
Dominio absoluto de Howe en las guitarras, de Raimundo que vamos a decir a estas alturas, y del resto... apabullantes en guitarras flamencas y percusiones. Todo con un sonido impecable y detallado, hasta el cajón se oía entre palmas, platos, ruidos sintetizados y guitarras en alza. ¡ Hasta un zapateado final se marco el Raimundo oigan !
Presentó el jerezano su último y reciente disco "La herida universal" el disco en el que se habla, sin empalagos del amor y sus circunstancias de mil maneras más o menos dolorosas... aunque predominan las primeras se impone el optimismo y la ironía.
Arrancó como en el disco, directo con canciones en las que se concentran historias en apenas tres minutos donde las guitarras avanzan en medios tiempos progresivos, "Tan amigos" o "Entresemana" para pasar a las canciones más expresivas de su anterior disco "El espectador", esas en que el acordeón se torna protagonista en los arreglos, "La cama" y "Caradura" y continuar con el amplio repertorio amatorio de su nuevo disco "La fecha en la tapa", "Una mierda de canción", "Hasta que te hartes" o "Sexy sexy sexy" donde entre los estribillos exhultantes se cuelan letras irónicas y en doble sentido.
Destacaron los ritmos. En las percusiones se imponía un tono brasileño que se complementaba con una batería contundente que marcaba ritmos firmes y voluminosos. Curiosa y acertada mezcla, perfecta para unas canciones que aunque compuestas en la guitarra, se expanden en directo a otras sonoridades.
Los teclados de Abraham Boba estuvieron también siempre presentes, tanto para los momentos sutiles como en los de arrebato, que los hubo según avanzaba la actuación y Julio mostraba con descaro las fuentes de las que bebe, esa vena pixidina reivindicada.
El el bis dió rienda suelta a sus emociones y se dejó llevar, descalzo y entre el público demostró que tamibén sabe hacer ruido, en un incendiario final por los suelos con el que remató un esperado repaso a algunas de las canciones del proyecto con el que se dió a conocer,"El Hombre Burbuja". Entre múltiples peticiones recordó las surrealista "Kill the mosquito", la pegadiza "Rey mugre" o la delirante "Mi reloj and I". De amor y ruido fue la cosa, para irnos todos tan felices.
Un año después de su última visita a Madrid vuelve de nuevo el ex Geogia Satellite Dan Baird, acompañado por la banda con la que grabó el pasado año su último disco del mismo nombre, The Homemade Sin, liderada por el guitarrista Warner E. Hodges de Jason& the Scorchers.
Dos horas intensas sin bajón alguno de "rithm and blues" acelerado, y potente hard rock marcado en todo momento por las melodías de guitarras de ambos. Warner en plan guitarra total, solventando con nota tanto un riff contundente como un punteo eléctrizante, lo cubría todo. Dan sabiéndose bien arropado sonando con su guitarra más amable, dejando a Warner mostrarse fiero pero sutil a la vez.
Bien secundados por el elegante Keith Chhistofer al bajo y el sobrio Mauro Magellan en la batería, sonaron como una banda de las de antes. Consiguieron hacer pasar inadvertido todo el recorrido que llevan juntos haciendo que todo sonara muy fácil, con la despreocupación que otorga la solvencia.
Sobre todo consiguieron hacerlo divertido y pocas fueron las ocasiones en que se perdiera la atención y eso que algunas canciones las desarrollaron casi hasta el infinito como "Crocked smile".
Divertidos porque a parte de tocar casi todo su aprovechable disco homónimo, "Lazy Monday", "Two for Tuesday", ... fueron intercalando entre ellas clásicas de Geogia Satellites mas algunas de la carrera en solitario de Dan y además se marcaron unos cuantos medleys que hicieron disfrutar: "Sweet Jane" de Lou Reed, "From small things de Bruce Springsteen, "I wanna be sedates" de Ramones y "Get it on" de T Rex.
Una autentica fiesta de rock de guitarras exhultantes, de esas que hacen que salgas de garito con la sonrisa en la boca... y Warner E. Hodges ¡con las espuelas puestas! como no.
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Escrupulosa puntualidad la del de Indianapolis, parecía querer recuperar el tiempo perdido tras cancelar sus conciertos del 2001 (atentado de las torres gemelas de Nueva York) y 2008 (enfermedad de un familiar), así que se palpaba ansiedad en el público que llenó pero no abarrotó el viejo teatro de la calle Arenal.
Así que no se anduvo con rodeos y tiró la directa con "Drive south", "Perfectly good guitar" sacando lo mejor de la acústica, después "Crossing Muddy Waters" donde brilló la mandolina de Doug Lancio, para a continuación presentar "Open Road" que da nombre al nuevo disco y que suena desde ya a clásico de su repertorio. La actuación crecía con la aplaudidísima "Master of disaster" dedicada a Jim Dickinson (músico de Memphis fallecido hace un año), pero a partir de ahí se torno la calma y "The Tiki bar is open" se alargó con unos solos de bajo y batería algo intrascendentes (sobre todo el de batería, mejor el de bajo) que rompieron un poco el ritmo.
Hasta ese momento la platea se llenó de una buena mezcla de country-rock de guitarras aceleradas con toques de folk profundo con melodías nuevaoleras y voz negra, pero con "Like a trains freighr train" y My baby" el blues inundó la sala, en su versión más clásica la primera, ejecutado instrumentalmente a la perfección pero excesivamente académica (desgraciadamente más cerca de Clapton que de King). Algo más vibrante la segunda, con la voz de Hiatt más negroide y con guitarras más sucias (más cercano en este caso a los pantanos).
Tras ese recorrido por loas raíces, llegaron los mejores momentos de la noche, justo con las canciones en las que Hiatt muestra su versatilidad, bastante por encima de su Combo que sonaron correctos pero encorsetados. "Cry love", "Your dad did" o Real fuel love" hicieron vibrar la platea con la mandolina eléctrica de nuevo echando chispas.
Para finalizar, acercamientos al rockabilly y country más salvaje con "Tennesse plates" y Memphis in meantime" con la gente totalmente volcada, y en el bis como colofón, apabullante "Riding with the king" dónde las guitarras rozaron la psicodelia incluso.
Abrió la noche Ainara Legardón, sóla con su guitarra eléctrica ante un público poco receptivo. Elegante y valiente, tanto por su imagen como por su actuación llenando con sus guitarrazos y su voz la sala. Presentó algunas canciones de su próximo nuevo disco, donde las guitarras parece que se hacen más aguerridas.
Atentos al estreno de esta banda mallorquina que se empeña, a pesar de las dificultades (cambios constantes de formación y parones prolongados) en mirar al horizonte. Al frente AlbertoPetröleo curtido en múltiples bandas locales, persevera infatigable: compone y recompone, graba, edita, diseña... ¡ abarca y aprieta !
Aprieta y ¡ bien fuerte ! con unas canciones que no ocultan sus influencias. Del Sr. Chinarro en sus primeros discos, aunque con letras mas trabajadas, no encriptadas sino abiertas, como en "Himno Hipnosis" donde nos da pie interpretar sensaciones e imágenes.
Algo de Chucho en sus momentos menos explícitos, cuando abandonan la felicidad guitarrera para adentrarse en medios tiempo donde dominan los teclados, como en ""El faro del fin del mundo" También de la Habitación Roja cuando marchan a ritmo intermedio justo antes de que estallen guitarras y estribillos, como en "Higiene personal". E incluso de Los Planetas cuando abandonan los muros de guitarras y se dejan llevar por guitarras crecientes pero nítidas, como en "Que pasen los testigos". Alguna otras influencia curiosa... "Manual de automutilación" en la conviven, sin sobresaltos, teclados y guitarras bossanoveras con baterías y voces oscuras de tinte siniestro.
Pero en el "Viaje al fin de la noche" titulo tomado de la novela de "Louis-FerdinandCèline, las canciones transitan por terrenos tenues, limpios y cristalinos, pero cálidos a la vez. Las guitarras no acaban en las erupciones energéticas propios de la bandas aludidas, sino que suenan como un arreglo mas, al servicio de la canción, cuyos protagonistas son las voces y curiosamente ¡ los teclados ! con los que se consiguen los momentos álgidos junto a algunos coros y voces con mas brillo.
Si para algunas bandas nos referimos a cierto espíritu del sur, con Petröleo podemos hablar de un aire entre fragilidad septentrional y costa templada fuera de temporada. Ayuda también una cuidada imagen de disco basada en fotos en blanco y negro, que evoca clase media urbana años 60' en despreocupada cotidianidad.
Un estreno que sorprende por sus canciones pero también por su sonido, grabado en casa pero a la altura de cualquier edición actual de estudio. Además te lo dejan descargar gratis aquí. ¿Qué más se puede pedir? Pues que no se quede en una grata anécdota local, merece atención y repercusión mas allá de blogs especializados.
Curiosos nombres, el del grupo y el del disco, en referencia directa a la primera y magistral novela moderna universal, el que se gasta este quinteto de Alcalá de Guadaira. No son nuevos, han atravesado ya algún parón debido a deserciones y cambios de formación, pero es ahora cuando dan el salto definitivo, tras varias maquetas bien recibidas por la afición del pop noventero.
Los sevillanos transitan por las sendas del buen pop en castellano, ese que engancha en los 90' con Surfin Bichos, pero no se quedan ahí, también beben de ese espíritu plácido del sur que encontramos en algunas bandas meridionales y se deja entrever además un aire al pop siniestro británico de los 80'. Hasta aquí nada nuevo, influencias habituales en el pop español, a las que se añade algo de guitarras energéticas, mucha melodía y estribillos directos.
¿Entonces uno más...? El caso es que consiguen hacerse reconocibles. Aunque en "Un burro en brazos" el sonido Chinarro se evidencia explicitamente, algo de Los Planetas se muestre más veládamente en "Remedios" o nos acordemos de Mercromina en "Soplapoyas en utopía", envuelven las canciones en una cadencia propia, gracias en parte a unos teclados bien trabajados, arreglos de trompeta y viola, además de unas voces susurrantes pero claras.
Canciones como "Mayea", "Malditasmenudencias", "Callada, mucho mejor" o la citada "Soplapoyas en utopía" suenan en esa dirección, melancólicas que no nostálgicas y ni mucho menos deprimentes sino lo contrario, como una especie de alegría tenue. Tampoco faltan himnos pop instantáneos como "Cantoná", "Volando" o " Descatalogado (los peligros del relevo generacional)" en esta última salen incluso indemnes de unos ¡arreglos de castañuelas !
Letras con referencias literarias y cinematográficas, a los tiempos pasados, a lo cotidiano y a lo intrascendente a veces, inundan unas canciones que funcionan a la primera. Relevo generacional pop garantizado. Perfecto para festivales soleados a mediatarde.
Cuarto disco de este jerezano afincado en... Madrid ahora, pero quien sabe donde. El ex-Hombre Burbuja se muestra explícito hasta el tuétano, más que nunca, aparece incluso por primera vez su imagen en portada, y nos canta a lo largo de dieciséis canciones sobre esa herida universal que es el amor en sus múltiples variables... y sus daños colaterales y propios.
Dicho así... pudiera parecer una nueva catarsis de artista herido que purga sus heridas ante el mundo... todo lo contrario. Parte del merito de las letras de este disco consiste en hacer sencillas, que no banales, las reflexiones y sentimientos que con respecto al amor pueda tener cualquier personas. Difícil no identificarse con alguna de ellas.
En "Tan amigos", un medio tiempo entre la nostalgia y el himno contenido, nos habla de la imposibilidad de pasar a la amistad después del amor. Las "Las camareras" con un ritmo de baterías chispeante y riffs de acústica nos habla de la posibilidad de olvidar un amor comenzando otro ¿o no?. Con "Entresemana" ritmo de acústica creciente y trotona, el amor se mezcla con sexo instantáneo y suciedad.
En "Hasta que te hartes" otro ritmo en ascenso frenético, ironiza hasta el extremo sobre el amor y con "Sexy, sexy, sexy" con sus arreglos sofisticados, se intuye amor festivo con toques de glamour de barrio. "Una mierda e canción" melodía recitada que se funde en estribillo pop, el amor se muestra arrepentido y pidiendo perdón
En "La fecha en la etapa" con unos acordes que se arrastran entre aires bosanoveros y de rumba gitana con toques de arrabal, se condensan buena parte de los amores tratados a lo largo del disco: el amor de mentira y el de verdad, el principiante y el que no tiene edad, el integrista y el que esta por estar...
También aparece el De la Rosa intimo de anteriores discos: "Uno", "El temporal", "El anzuelo"... aunque en esta "Herida Universal" da un paso hacia adelante, arriesgando con las canciones comentadas. Desesperación, escepticismo, resignación, dudas, esperanza... en quince canciones de amor y una de guerra
Vuelve el Festival Turborock, y como otros desde hace unos años, lo hace de forma itinerante, simultaneando bandas y fechas en distintos lugares, en este caso Madrid, Valencia y Santa María de Cayón (Cantabria). Abre fuego Madrid en esta nueva sala, que abre la música en directo a otros barrios y que recoge además el legado de la mítica sala Universal que a inicios de los 90' fuera una de las mas dinámicas en cuanto a programar conciertos.
Buen sonido en general, aunque con exceso de decibelios en bastantes momentos, puntualidad en los horarios y un público numeroso, pero que no llenó la sala (se noto que era miércoles) un tanto frió al inicio pero que fue de menos a mas con actitud de entrega total en la actuación de The Soundtracks of our Lives.
Los suecos, con el carismático Ebbot Lundberg al frente cual gurú hipnótico, repasaron parte de su último disco, el excepcional "Communon" sin olvidarse de los clásicos de su discografía.
Sonaron compactos y enérgicos, consiguiendo que sus canciones mas densas y elaboradas "Second life replay" no se hicieran pesadas sino todo lo contrario, fluyeron ligeras gracias a los diferentes arreglos, un teclado aquí, un riff de guitarra por allá, ritmos de bajo marcados por otro lado... y la puesta en escena siempre embaucadora de Ebbot, que te atrapa como un imán.
Cuando había que acelerar como en"Trhill me" la guitarra de Mattias Bärjed, secundada por la de Ian Person estuvo lo suficientemente compenetrada como para destacar de entre la maraña de teclados y ritmos de bajo y batería. Exceso de volumen en la sala, aun así todo sonaba en sus sitio, sin un solo acople, a la perfección. Consiguieron darle a cada instrumento su momento, pero sin alardes, cuando se requerían graves, el bajo de Karl Kalle actuó como una guitarra más y el teclado de Martin Herderos hizo diabluras convirtiéndose una tercera guitarra.Así ocurrió en los clásicos "Big time" y "Sister Surround" que calentaron la sala al final del concierto.
Bien además en el aspecto vocal: doblando voces y haciendo coros coma en "Flipside" ¡¡ que más se les puede pedir !
Previamente acturon The Muffs, con el tiro de Los Ángeles, rememoramos el punk pop de tintes garajeros de la primera mitad de los 90'. Sonaron entre el glamour de Redd Kross y la suciedad de The Breeders, aunque mas acelerados... y con los inconfundibles gritos de su frontwoman Kim Shattuck. Disfrutaron más los acerrimos
Antes aun JC Brooks & the uptown sound, con un público algo apagado, pero que a base de soul y funk fueron animando a la gente, sobre todo con el vozarrón de Brooks, que parecía bastante más entregado que los músicos que le acompañaban. Buenas versión de Otis Redding y ¡ sorprendente !
Comienza la nueva temporada de "El Confiscador de Sonajeros" con el mismo formato que en ediciones anteriores. El Confiscador de Sonajeros un repaso no exhaustivo y totalmente subjetivo a la actualidad del pop - rock y sus desviaciones sonoras más intrépidas y arriesgadas, en sus formatos independientes, alternativos y subterráneos. Los jueves entre las 21:00 y las 22:30 en directo y los lunes entre las 11:00 y ls 13:30 horas en repetición ya sea a través de las ondas en el 102.4 fm o a través de la red en
Cada vez son más los adeptos al desgarro vocal de este jovencísimo bostoniano... y es que tras ir llenando escenarios de aforo pequeño y medio del país, se presenta esta vez a lo grande, ante una numerosa y dispar parroquia que agrupaba desde familias de hijos adolescentes instruidos, hasta la habitual fauna rockabiily que puebla las salas invernales del centro más canalla. Todos, en típica noche de verano: cielo despejado, brisa crepuscular, luna lumiosa... acudieron a la Casa de Campo en busca de la elegancia soul del chico de los periódicos.
Tras una intro a cargo de The True Lovers, los solventes músicos que le acompañan, empezó titubeante en tiempos medios de soul, pero fue pisando el acelerador con moderación hasta llegar al desenfreno habitual hacía la mitad del concierto. Más allá del soul, Eli Hisok (así se llama en realidad la fiera), atacó repertorio añejo a base de gospel, rockabilly y sobre todo swing, mucho swing en el que por momentos sobrevoló el espíritu del Van Morrison más inspirado, con toda la parafernalia de instrumentos de viento en su máximo esplendor, de lo mejor de la actuación ¡ grandes momentos ! en los que ya empezaba a quitarse la impoluta ropa y a realizar su show particular.
Antes, calmados duetos con el teclista JB Flat y trompetista Patriq Moody, tiempo de lucimiento a los músicos... y de ahí al final, no dejó ya de escupir metrralla sónica, con la banda arrollando en la base rítmica y brillando en teclados y vientos en "Young gril", "Come and get it", "(Dooin' the) boom boom" y "Take me love with you". De entre todos ellos, sobresalía la fuerza de su voz desgarrada en estos momentos, pero melosa en otros anteriores, según requerían las canciones.
Presentó canciones de su último disco como la que le da nombre "Come and get it" o " Name calling" y sobre todo repasó las de su anterior "Roll with you" con "The satisfier" o " The stake your claim" No se olvidó ¡ como no ! de un del grande del soul: Sam Cooke ni de acordarse del country versionando también a Merle Haggard.
A memory is better than nothing – TELEVISION PERSONALITIES
Kennedy Green – KENNEDY GREEN
Modular – PINKERTONES
16 versiones y rareza para Norbert & Cali – AIRBAG
Pick in the head –LUTHEA SALOM
Corazón de padre atómico- – JORDI SKYWALKER
Hawk –ISOBEL CAMPBEL AND MARK LANEGAN
También en Julio
LENTEJAS LOS VIERNES – HONKY TONKY SÁNCHEZ – CHALENGER – BETUNIZER – THE OLDIANS – VIVIAN GIRLS – LOS SALVAJES – LABERINTO B – MIKI – JOAQUIN PASCUAL – MONTEVIDEO – TOUNDRA – SR NADIE –NOTHINK – PRESIDENTE – BREIS – SANTOS DE GOMA – NADADORA– ODIO PARÍS – HAZTE LAPÓN – BOOGALOO ZOO– MONOCULUTRE– NACHO UMBERT – ELI “PAPERBOY” REED – JEFF TWEDDY – ELVIS COSTELLO & THE SUGARCANES –PATTY SMITH AND HER BAND
Se ha hecho esperar el tercer disco de este inclasificable trío madrileño, y es que es una banda que hace las cosas que menos te esperas: en conciertos, en canciones, en fotos y portadas de discos... Aparece así este "Grandes Tormentos" cuatro años después de "Podrida ser", un meritorio disco rebosante de ritmos y sonidos propios que les sitúa en vanguardia de la creatividad pop (a pesar de la escasa acogida).
Dan un paso adelante, no sin riesgo, forzando estructuras y sonidos para llevarnos a su terreno ¿Cuál es este?, cualquiera que no sea el anterior, por eso no se acomodan a la exuberancia de canciones como "Llevame a caballito D.F.", "Próxima parada: Quijada quemada" o "Calcetines rojos de la suerte" que forman el la rebosante columna vertebral de "Podrida ser", sino que, sin dejar esa línea, nos ofrecen canciones como "Pálpito", Sopita", "Bazofia" o "El rocanrol de Macramor" en las que al sonido exultante, se une ahora el riesgo de la disonancia, el síncope y el minimalismo en su versión colorista chirriante: con teclados de juguete, trombones y artilugios no identificables. Puede extrañar al principio... pero funciona.
Para que los árboles nos dejen ver este brillante bosque musical, en Rosvita son esenciales las letras, un elemento necesario para no quedarnos sólo en la estética sonora, sino además adentrarnos en unas estructuras que, aunque experimentales son realmente "pop": juegos de palabras, dobles sentidos, guiños a la cultura televisiva kitch y naif generacional... que funcionan en las canciones citadas.
Se echa en falta estas letras en las varias instrumentales que aparecen en el disco, "El miguitas", "El lavalava" o "Estrellármela" que adolecen de eso mismo, letras imaginativas que conexionen sonidos, aunque estos últimos siguan derrochando brillantez. En "El lavalava" por ejemplo consiguen mezclar en la misma coctelera los sonidos de la bosanova más actual con la Yellow Magic Orquestra.
Tampoco se olvidan de los sonidos densos que caracterizaron su primer disco de nombre homónimo que editaron en el ya lejano 2003, al abrir y cerrar el disco con "Penique" y "Perromono" donde los aires de postrock oscuro se imponen, aunque también se adaptan a la experimentos sonoros, sobre todo en las voces y en algunos toques jazzisticos.
Nada más que disfrutar tanto del disco, como sobre todo de los directos, y esperar a ver por dónde sorpreenden en el próximo.
Tras los ya lejanos en el tiempo "Hermana Violencia" (1992) y "Lumbar" (1996), hace dos años tuvimos de nuevo noticias del trío de Mondragón con la aparición de esta "Vida a partir del huevo" (2008). Una carrera de difícil seguimiento, salpicada de singles descatalogados y apariciones en recopilatorios inencontrables que, desgraciadamente por la escasa repercusión y reconocimiento que merecen, sitúa a los hermanos Izkue en el limbo de los grupos de culto. junto a otros ilustres que se desmarcaron de los sonidos habituales del norte como: Josetxo Ezponda (Bichos) desde Pamplona o el desparecido Josetxo Anitua (Cancer Moon) desde Eibar.
Comienza el diso con "Autopsia", introducción instrumental con ecos de banda sonora de suspense-ficción cinematográfica que se rompe con un afilado y repetido punteo acústico. A partir de ahí desfilan los ritmos que hacen a esta banda reconocible a la primera escucha: sonidos disléxicos, cambios de ritmo inesperados , líneas de bajo contundentes pero nítidas... conjugando lo clásico del sonido afterpunk de los ochenta; "Instalación y espesor del pecado", "Tos" o "Un cadáver de pocas horas" con buenas dosis de experimentación "La estación de los antepasados" o "Poids coq" (en francés).
Las canciones parecen estancarse, se emponzoñan en una melodía agridulce y densa con siniestros arreglos de trompeta y acordeones ¿sintetizados? que, ayudan a no escapar de esa espiral de oclusión hasta que finalmente estallan las guitarras más afiladas y liberadoras. Letras crípticas y de ruda crudeza, viscerales y evocadoras.
Se extreman en su versión más sucia en "Buey laborioso", y en la más sedosa "Acuática y yo" no olvidando la épica a su manera "Próxima parada" y cerrando con una auténtica catarsis de sonidos de rabia acumulada en "El lombricero".
Una banda que se muestra con personalidad propia y con poco que ver con lo que se escucha últimamente. Necesarios aun y con cosas que decir.
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