Alcarrás - CARLA SIMÓN (Avalon P.C, Elastica Films, Vilaüt Films, Kino Produzioni)

La cineasta barcelonesa muestra la vida de una familia que se dedica a la agricultura hortofrutícola intensiva en el municipio que da título a la misma, Alcarrás, en la comarca del Segría en Lleida. La propia directora vuelca experiencias propias a la hora de exponer la difícil situación que vive el campo y por extensión la población rural. Lo hace partiendo de una familia nuclear extensa que durante un par de generaciones trabaja la tierra bajo un acuerdo entre abuelos de dos familias basado en la confianza mutua, sin contrato firmado.

En el contexto de la realidad de un mundo capitalizado y globalizado que avanza sin mirar atrás, la familia propietaria decide implantar placas solares obligando a la familia campesina a cambiar su tradicional forma de vida agrícola para reconvertirse en el sector energético.

La directora muestra los dilemas y conflictos personales de la familia afectada de forma inmersiva, gracias a una forma de rodar en planos largos y desde dentro, desde la casa, la parcela, las reuniones para comer… pausadamente, el espectador se convierte en uno más de la numerosa familia que forman: abuelo, hijos, nietos, cuñados. Todos ellos protagonistas principales pues cada uno de ellos vive el problema de forma diferente y de acorde a las distintas edades que van desde la veje a la niñez pasando por la edad adulta y la adolescencia. Cada cual vive su propio conflicto, tanto interno como externo, pues las discrepancias entre ellos desestabilizan lo que hasta el momento era una unidad férrea.

Es además un retrato nada bucólico de la vida rural, en el que el paisaje como bello elemento natural, no esconde la realidad cotidiana, tanto en el duro trabajo diario en la propia tierra, como en el más duro si cabe como minoristas obligados a comerciar bajo las asfixiantes condiciones de los mayoristas capitalistas. Se moja la directora mostrando explicitas y muy realistas escenas de conversaciones y manifestaciones en las que los que se evidencias los intereses políticos y económicos, una vez más alejados de los intereses de las personas a las que prestan servicio.

Una historia sencilla que mira al pasado para defender un modo de vida tradicional que se extingue, pero lo hace sin olvidar el presente, reflejado sobre todo en los personajes adolescentes, el hijo que baila ‘makina’ y fuma hierba y la hija que ensaya bailes ‘trap’…  y en el que hay que reseñar ‘el excelente’ trabajo que la directora ha hecho con los personajes… y más excelente aún de todos los actores y actrices… remarcando sobre todo que NO profesionales.

 

THE AFGHAN WHIGS (22-10-22) Teato Barceló - Madrid. Publicado en la web Rock and Roll Army

Dieciocho años, seis meses y seis días después de su primera y única actuación en la desaparecida sala Revólver, Greg Dulli junto a John Curley como únicos supervivientes de la banda, regresaron a la capital. Ambiente de gala para recibir a Dully que apareció galante y elegante como siempre, aunque físicamente el tiempo no ha dejado bien parada su figura. 

 

Comenzaron densos y oscuros con Jyja de su recién estrenado y valorable último disco ‘How do you burn?’ para a continuación, imprimir un empuje e intensidad hercúlea en ‘Ill make you see god’ y algunas de su discografía reciente. ‘Matamoros ‘ o ‘Light as a feather sonaron arrolladoras mientras Rick G Nelson se multiplicaba con solvencia entre la guitarra, el teclado y un violín que no acabada de oírse cuando las eléctricas sonaban más potentes. ‘Toy automatics’ reconfortó…  sobrecogedora  y épica, previa a la primera incursión en el repertorio clásico, que el de Cincinnati  anticipó tratando de recordar el año de su anterior visita y afirmando que si alguien estuvo allí recordaría lo siguiente.  

 

Lo siguiente fue del tirón  ‘Gentlemnan’, ‘What jail is like’ y ‘Fountain and fairfax’, esta última con ‘How do you love?’ de Bo Didley como intro. Momentos de éxtasis con las primeras filas en danza y las restantes alzando brazos. Dully, obsesivo con el sonido de monitores durante buena parte del concierto, afina su guitarra  y le sale más por casualidad que adrede, los acordes del Angie ‘stotniano’, que anticipa tiempo muerto con ‘Algiers’ emocionante y rítmica y ‘Something hot’ en la que subiendo de nuevo decibelios, se hizo patente la vena soulera de la banda... 

 

…pero la noche avanzaba por otros derroteros,  como demostró un tramo final de infarto con los músicos crecidos y con Christopher Thorn (Blind Melon) tomando algo más de protagonismo con las seis cuerdas. ‘John the Baptist’, ‘My enemy’ y ’Summer’s Kiss’ sonaron heroicas, para finalizar tras hora y media de actuación con la evasiva ‘Into the Floor y un guiño a The Smith con las primeras estrofas de ‘There Is A Light That Never Goes Out  a ritmo ultra lento y pausado con el que un mesiánico Dully presentó a la banda y se marchó
de forma crepuscular, dejando a los músicos rematar una faena que dejó más que satisfecho a los presentes. Hasta la próxima Dully ¡un figura…! ¿Habrá que esperar? 

 

BULT TO SPILL - When the Wind Forgets Your Name (Sub Pop/Popstcok!). Publicado en la web Rock and Roll Army

El quinteto de Idaho después de siete año sin grabar material nuevo, regresa con nuevo disco de evocador título, el noveno de estudio (décimo, tras el homenaje a Daniel Johnston editado en 2020). En este tiempo se han producido una vez más cambios en la formación, de quinteto a trío, y aunque los elementos que han caracterizado a la banda no lo han hecho tanto, si que parece que en ésta nueva entrega, las canciones se contienen. 

 

No tanto en la que abre el disco ‘Gonna lose’ o ‘Spiderweb’ con los reconocibles riffs de guitarra y la inconfundible la voz de Doug Martsch, pero si en otras donde el estallido instrumental cabalga en tensos medios tiempos que no finalizan en pirotecnia sonora como ‘Fool’s gold’, ‘Elements’ o Understood donde el riff cede terreno ante el arpegio para recrear una melodía que se acerca a la psicodelia en su versión sinuosa. 

 

Hay algunas sorpresas como ‘Rocksteady’, una especie de reegae futurista al que le siente muy bien la voz en falsete y un bajo muy melódico y marcado, que dota a la canción de un claro aire ‘Sandinista’ el disco jamaicano de The Clash. También sorprenden algunos parajes de ‘Alright’ donde se intuye algo de psicodelia folk y otro acertado momento, aunque no alejado esta vez de los sonidos más reconocibles de la banda, es el inquietante y cinematográfico duelo entre laberínticos punteos y tormentosos riffs  de ‘Never Alright’

 

THE LIZARDS - Entrevista (Girando ‘indefinitivamente’ con The Lizard). Publicado en la web Rock & Roll Army

o: Jose Gallardo (FB The Lizards)...

Leer más en https://www.rockandrollarmy.com/magazine/2022/10/21/girndo-indefinitivamente-con-the-lizards-entrevista/ © https://www.rockandrollarmy.com/magazine

The Lizards poderoso trío de Barcelona formado por Carla Santacreu en la voz y guitarra, Judith Jordan al bajo y Edgar Beltri a la batería editaron la pasada primavera su cuarta entrega, FakeReality en el que despachan un arrollador y acelerado muestrario sonoro de punk rock ygaraje con las bien afiladas y ruidosas guitarras como protagonistas. El propio título del disco, junto a la futurista portada en el que lo presentan  delatan su origen pandémico. Desde abril no han parado de actuar  presentando las nuevas canciones en una gira que no parece tener fin. Para contarlo Carla responde a a las preguntas.

 

Con el anterior disco ofrecisteis cerca de 70 conciertos. Con este parece que lo superareis con creces. Parece que lo que os motiva son los directos ¿Son los discos una ‘necesaria’ excusa para continuar haciendo lo que más os gusta?

 

Realmente nos gustan mucho las dos cosas porque son experiencias muy distintas. El proceso compositivo y de grabación es un reto, requiere de mucha creatividad y cuando por fin tienes el disco en tus manos es una sensación muy gratificante. Por otro lado, The Lizards somos una banda muy enérgica y en los directos es donde conectamos con la gente cara a cara. Además creemos que hoy en día ya no se venden discos en las tiendas así quesi quieres darte a conocer, tienes que salir a tocar.

En la anterior gira tocasteis con bandas de la talla de Nashville Pussy o Girlschool entre algunos otros y en algunos conciertos de la nueva gira con Supersuckers. Contactos surgidos en vuestras giras internacionales ¿no? Alguna anécdota o curiosidad. ¿Qué tal con Eddie Spaghetti?  

 

Hemos tenido la suerte de poder girar con bandas que nos gustan mucho y a las que seguimos desde hace años. Una anécdota desde luego sería que en la primera fecha con Nashville Pussy, de camino a Bilbao, la furgoneta nos dejó tiradxs a la altura de Alfajarín. Ésta era de alquiler, los talleres estaban cerrados y no os podéis imaginar la logística que tuvimos que desplegar para poder llegar al concierto con todo nuestro backline. Finalmente llegamos justo a tiempo para subir al escenario, eso sí, con alguna cana de más por el estrés que pasamos, jaja! En cuanto a Eddie Spaghetti, tanto él como el resto de la banda son muy majos. 

 

Acabáis de presentar una versión ‘Bad Reputation’, original que en 1981 daba título y abría el disco en solitario de Joan Jett, una canción muy en la línea del trío y perfecta para los directos ¿Cómo surgió la idea?  

 

Esta versión forma parte de un recopilatorio que edita La Feria Internacional del Disco, en el que también participan un montón de bandas nacionales, todxs con algún componente femenino. El disco se ha editado para regalar a lxs asistentes de las Ferias que se van a celebrar este año en Barcelona, Madrid, Bilbao y Mallorca.

Cuando nos propusieron participar no lo dudamos porque Bad Reputation es una versión que tocábamos hace muchos años y Joan Jett siempre ha sido un referente para The Lizards. Además, la canción es toda una declaración de principios que viene al pelo con el estilo que tocamos, totalmente minoritario. 

 

La crítica especializada ha acogido muy positivamente el nuevo disco. La sensación es que la banda está creciendo, no solo a nivel compositivo sino en cuanto a presencia y aceptación del público ¿Se está reflejando en los directos?  

 

Sí, cada vez nos conoce más gente y vienen a nuestros conciertos sabiéndoselos temas. Eso es algo que nos hace muchísima ilusióny ver que tiene buena aceptación es la mejor recompensa. Nada nos motiva más que ver que el público disfruta con nuestras canciones y nuestro directo.

En Fake Reality  sin concesiones a la pausa, llenáis mucho espacio con la instrumentación clásica… y básica de power trío ¿Es igual en directo u os apoyáis en algún músico ¡qué os de un respiro?  

 

En los directos solo somos nosotrxs porque para eso somos un power trio! La gracia está en poder llenar el escenario y sonar potentes siendo sólo tres. 

 

Tras la pandemia se está viviendo un no parar de conciertos y festivales. Está claro que había ganas por parte de bandas y aficionados. Desde el escenario ¿Cómo estáis viviendo esta vuelta a la normalidad?¿Ha cambiado el público? ¿Se perciben cambios (para bien para mal) en la escena rockera?  

 

Este verano ha habido una explosión de conciertos porque todxs teníamos muchas ganas de volver a la normalidady eso se ha notado. Lo bueno es que hemos recuperado la sensación pre-pandemia, lo malo…el “overbooking” de eventos. Ha habido demasiada oferta y la gente no puede asumirla toda. Los que más se han beneficiado sin duda han sido los grandes festivales. 

 

Tenéis programadas actuaciones hasta noviembre, pero no paran de surgir nuevas fechas ¿Tendrá fin esta gira? ¿Qué vendrá después: descanso, nuevo disco…?  

 

Nosotrxs estamos de gira indefinidamente jaja! La idea es compaginar fechas de conciertos con ensayos y composición para poder sacar disco nuevo en 2024.Si queréis estar al día de nuestros conciertos y otras novedades podéis consultar nuestras redes sociales: Ig: thelizardsmusic / Fb:TheLizards Muchas gracias por vuestro apoyo!

 

Foto: Jose Gallardo (FB The Lizards)...

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Foto: José Gallardo (FB The Lizards).

Foto: Jose Gallardo (FB The Lizards)...

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LOS ENEMIGOS - Universario 2 (15-10-22) Lula Club - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

Segunda noche de las cuatro que forman parte de ‘Universarios’, el merecido homenaje que la banda ofrece a ella misma y a su público… entre el que se contaban las mismas caras con similares camisetas, triunfaron de nuevo las negras de Agapo, como de negro volvieron a parecer los cuatro protagonistas de la noche. 

 

Turno para recordar las canciones de ‘La Cuenta Atrás’ su tercer disco de 1991, con la banda de inicio sonando más compacta que el día anterior,  aunque de nuevo volvieron a parecer los incómodos acoples que… desafortunadamente, a lo largo del concierto deslucieron algunos emocionantes momentos, una pena. Menos relevantes fueron algunos despistes reconocidos por el propio Josele; un solo de guitarra olvidado en

 

«Hienas» o una estrofa en «Claro que sí». Aún así y con el bueno de Fino explicando lo difícil que estaba siendo recuperar tantas canciones olvidadas, en el complicado primer tramo de actuación se mostraron más firme, atacando con decisión canciones aceleradas como «Brindis», o «Paracaídas» con Josele esforzándose en las labores vocales en sus tonos altos, o la más rodada, y aclamada «La cuenta atrás».   

 

Previamente Josele agradeció a David Krahe por el esfuerzo de aprenderse tantas viejas canciones, a lo que hay que añadir que además lo hizo aportando estilo propio, proporcionando con su guitarra mucho swing a «Hasta el lunes» y un aire ligeramente tropical a «Quillo (he vuelto a nacer)»

 

Como tropical sonó la percusión que Chema imprimió a «Alegría», la primera tras acabar con el disco recuperado del que curiosamente; y si en la noche previa se dejaron una canción del disco sin tocar, en esta ¡fueron tres! «Blues», «Hay un agujero» y «Occidente», esta última ¡incomprensiblemente! De seguido, la canción de Fino de cada noche, esta vez «No se lo cuentes» para continuar con el universo sonoro enemigo con la mirada puesta en algún clásico y en las canciones de los discos que se han quedado fuera de las celebraciones, sobre todo ‘Gas’ «Esta mañana me he vuelto al barrio» sonó muy psicodélica en las guitarras finales y «Sr Correcto» arrolladora en el bis final. 

 

Repitieron bastantes de las presentadas veinticuatro horas antes, pero hubo sorpresas como «Firme aquí» la única hasta el momento interpretada del disco con el que regresaron  en 2014 ‘Vide Inteligente’, un lento balanceo de guitarras que enlazó muy bien con la siguiente «Desde le jergón». Otra festiva noche “de Rock, de And y de Roll, las tres cosas” como remarcó Josele entre sinceros agradecimientos a un público que llegó de muchos lugares como recordó Fino.

 

 

LOS ENEMIGOS - Universario 1 (14-10-22) Lula Club - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

 

Espectacular ambiente con todo vendidísimo en esta ‘nueva sala’ para directos de la Gran Vía, en la primera noche de las cuatro del ciclo de conciertos únicos ‘Universarios’  con los que la carismática banda madrileña recupera cinco de sus discos más emblemáticos (si es que no lo son todos), aunque ninguno de ellos esté realmente de aniversario. No hace falta,  pues la cantidad y calidad del repertorio acumulado a lo largo de los años se presta a ello, sobre todo para escuchar canciones poco habituales e incluso inéditas en directo.

 

Aparecieron de riguroso negro para presentar ‘La Vida Mata’ su tercer trabajo de 1990 que tocaron integro aunque no en el mismo orden, salvo «La Torre de Babel» que curiosamente fue single en su momentos y que ya en el disco no encajaba con el resto (solo en la letra), pero no se la echó de menos.

Comenzaron titubeantes sobre todo Josele que tuvo que afinar su guitarra ralentizando un comienzo fulgurante con «Firmarás» con el que ajustaron un sonido con acoples iníciales (algunos más hubo a lo largo de las dos horas de actuación),  pero ahí estaba Fino al quite, haciendo las presentaciones y ganando tiempo. Inmersos ya en las viejas canciones, éstas sonaron fieles al original aunque la guitarra de David Krahe aportó ligeros arreglos y mayor energía. «El Gran Calambre Final» sonó más sureño que nunca, con el espíritu de Lynyrd Skynyrd abandonando el campo para pisar el barrio, pero la banda parecía más taciturna que festiva como habían anunciado y eso que ya había sonado «Septiembre». Inesperadamente fue con «Miedo» y «Traspiés» cuando tanto público como músicos comenzaron a entonarse. Muy coreada la primera y acelerada en su inicio la segunda. También se soltaron con un final muy loco en las guitarras de «Yo no quiero ser feliz».

 

Más sueltos ya, y tras finalizar «Paquito» un regalo como dijo Josele pues en la primera edición en vinilo no aparecía, repasaron algunas canciones más habituales de los discos que seguirán celebrando, con el público y ellos mismos muy volcados: «Carnaval» que empezó sonando “stoner” para acabar haciéndolo “grunge”, «Siete mil canciones» su último himno contemporáneo que provocó el mayor delirio colectivo de la noche junto a «La cuenta atrás». Entre medias las dos únicas incursiones al repertorio anterior a los noventa, las habituales y arrolladoras y «Complejo» y «John Wayne» 

 

De las menos habituales se acordaron de algunas de los discos que han quedado fuera de la celebración: «¡Cómo es! », «Odio a los nº1» o «No me caigo bien (me caigo mal)», para sin salir del escenario arrasar  con un bis de altura emocional con la solemne y sentida «La carta que no…» y de traca sonora con «Señora» recordando al maestro Serrat en su retirada y la aceleración de «Dentro» y «Paracaídas»

 

THE DREAM SYNDICATE (11-10-22) El Sol - Madrid. Publicado en la web Rock and Roll Army

Todo vendido y gran ambiente para celebrar el cuarenta cumplamos de ‘The Days of Wine and Roses’ el estreno discográfico de la banda liderada por Steve Wynn que para la ocasión, dividieron la actuación en dos partes. La primera consistió, en algo menos de hora y media, en repasar su discografía de los últimos cinco años, la que marca el regreso de la banda con nueva formación, incluido el reciente nuevo disco ‘Ultraviolet Battle Hymns and True Confessions’. La segunda parte, de una duración similar, festejó el citado disco.  

 

Con el atmosférico medio tiempo «Bullet holes» comenzaron una actuación que continuó electrizante con «Out of my head» y «Put some milles on» donde las guitarras comenzaron a derrochar tensa y elegante energía acelerada. Un respiro para presentar el nuevo disco con un agridulce y recitado «Damian» y una evanescente y sideral «Everytime you came around», para entre ambas, desperezar las guitarras rescatando » de su legado ochentero «Burn que sonó muy Dylan at Budokan. Canciones en los que se echó en falta el teclado de Chris Cacavas, que no apareció esta vez. También en «Recovery mode» que sonó muy Joy Division con la batería de Dennis Duck sonando brutalmente contundente. 

 

A partir de ahí las guitarras de Jason Victor tomaron más protagonismo aún si cabe, con el la urgencia eléctrica y cinética de «Trying to get over» que Wynn presentó como la primera que había compuesto junto a Dennis Duck tras cuarenta años juntos. Tremendo duelo de guitarras en «Everytime you came around» los diez minutos -que parecieron ser más- de psicodelia elegante y progresiva que sonó a The Door en algunos momentos para finalizar con la distensión rítmica y psicodélica de la también extensa Glide  cerraron un set que tras quince innecesarios -al menos para el público-  minutos de descanso  dierob paso a la fiesta de los días de vino y rosas.

 

Tocadas en el mismo orden, sonaron más brillantes que en su versión en estudio. Con un nuevo brío, más potentes y guitarreras aunque sin perder su esencia, ese oscuro balanceo rítmico que supo imprimir el bajo de Mark Walton desde que comenzó a sonar «Tell me when it’s over». Sonaron brutales y punk «Definitely clean» y «Them she remembers» y los duelos de guitarras se intensificaron, aunque también sonaron delicadas con el steel en «Until lattley» y «Too little, to late» para, en la que titula el disco, distorsionar el sonido desafinando cuerdas de guitarra mientras el ruido fluía en medio del caos…

…que continuó en el bis con clásicos de otros discos como «Still holding on to you» que Wynn recordó que se emitió hace 38 años en su actuación en directo para el programa de televisión la Edad de Oro y cerrar con el arrollador en guitarras y estribillo «Boston». Otra noche para recordar con Wynn y los suyos.

 

 

The Silos (9-10-22) Siroco - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

Foto: Salomé Sagüillo

El neoyorkino de origen cubano Walter Salas-Humara derrochó simpatía y sincera cercanía en la noche en la que celebró el trigésimo quinto aniversario de Cuba, el segundo disco de The Silos que en 1985 formó junto a Bob Rupe. Walter hace tiempo que mantiene activa la banda con diferentes miembros, alternándola con su proyecto en solitario. En la pequeña pero adecuada y bien sonoriza sala de la calle San Dimas (lástima que no hubiera público para un escenario mayor), fueron apareciendo en orden cronológico las canciones del disco a celebrar, excepto «Memories» ¿quizás porque no llevó teclista? 

 

Canciones que sonaron más aguerridas que en la versión de estudio, aunque sin perder esa cadencia tan particular que imprime Walter a su repertorio… y es que sin formar parte de ninguna escena, estuvo en todas ellas incluso antes de crearse: nuevo rock americano, posterior americana cuando no existía el término, el folk alternativo e incluso atisbos de grunge. 

 

Enérgica por tanto sonaron de inicio «Tennesse fire» y «She lives up the street» sencillas y acogedoras «For always» y sobre todo «Margaret» y desatadas en las guitarras en algo menos de hora y media Just this morning» y «Marys getting married» que sonaron a los primeros REM. Presentó «Going round» como una de las primeras canciones que escribió para volver al nervio eléctrico de «It’s alright» y la muy celebrada «All falls away». Perfecto sonido en el que mucho tuvo que ver el buen hacer en la guitarra del texano de San Antonio José Reyes y el bajo del  madrileño mallorquín Ángel Cubero (un clásico que nunca falla).

 

Foto: Salomé Sagüillo

 

A continuación tres canciones de su homónimo tercer disco de 1990, con el que nos fuimos al Caribe con la primera de las presentadas en castellano «Porque no» a la que siguieron «Comodoro Peter» y «I’m over you», para volver al presenté y defender algunas canciones de su reciente disco, que sonaron animosas y con brío «My favourite animal», el single «Puede ser» y en tono más pausado «Dreaming of Paris» que presentó como una canción para no ir a trabajar (justo para una noche de domingo dijo alguien); y «Colorado river» con un ligero aire country. 

 

Algún clásico más de aire hispano «Sangre y lágrimas» ¡con solo de batería! por cortesía de Konrad Messner al fnal! y «My big car» que enlazó con una particular «Guantanamera», que dio paso a un divertido «Satallite» sin micro y probando coros con el respetable con el que comenzó, en la recta final, a mostrar parte de su cancionero en solitario al margen de la banda: muy vacilona «Sea of Cortez» y positiva sobre el poder de la comunidad «El camino de oro», para ya en los bises finalizar con el mismo espíritu con otro estreno «Love & trust and friends». Alguien pidió «All spring all summer», algún otro lo secundó, pero no hubo guinda al pastel tras dos horas de una muy agradable y amistosa noche entre músicos y público.  

NICK LOWE & LOS STRAITJACKETS (4-10-22) La Paqui - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

Foto: Joe Herrero

 

 

 

Apareció ‘Nicholas Drain Lowe’ con su habitual distinción y elegancia en el vestir, y la puntualidad que se espera de un auténtico ‘gentleman’ británico. Vitalista y sonriente, con ese aspecto de joven septuagenario de pelo blanco pero brillante y gafas negras de pasta. Flanqueado por los cuatro enmascarados que le acompañan de impoluto negro para la ocasión. Derrocha carisma natural y el público se rindió en sincera ovación antes siquiera de que se colgara la acústica. Son puntuales sus visitas a la capital, a la que halagó con sus palabras) y su fiel audiencia sigue respondiendo a la cita con entusiasmo. 

 

Cuando el de Surrey actúa en solitario el repertorio se basa principalmente en la discografía de madurez, esa que le ha convertido en un entrañable y desenfadado crooner amigo, pero con Los Straitjackets rescata sobre todo clásicos de su nuevaolera etapa inicial. Así lo hizo de nuevo, comenzando con «So it goes» y «Ragin’ eyes» melodías animosas de apenas tres minutos de estiloso y rítmico pop con el que el respetable se movía enérgica… incluso frenética con «Shting Shtang»  perfecta para las guitarras de los “camisas de fuerza”. Tampoco faltaron algunas de sus mas inspiradas canciones country (Lowe estuvo casado con Carlene Carter hijastra de Johnny Cash) en su versión más luminosa y pop, la de la campiña inglesa en «Without love » o «I live on a Battlefield»  

 

Foto:Joe Herrrero

 

 

 

 

 

 

Reivindico su presente con «Tokio bay» una de sus últimas grabada en el Ep homónimo, que sonó muy power-pop  antes de abandonar  el escenario y ceder protagonismo a Los Straitjackets que se marcaron un set instrumental surfeo de cinco canciones entre las que se hicieron hueco versiones de The Ventures  «Driving guitars» y la muy divertida y celebrada «Venus» de Shocking Blue.

 

Vuelve Lowe con nueva camisa, su perfil más fotogénico y la mejor sonrisa para recuperar el trote «Love Starvation» y su particular “Yellow submarine” «Half a boya n half a man» y mostrar su lado íntimo en «Blue on blue » donde derrochó emoción… para acabar sin freno con la inevitable «Cruel to be king» que interpretada en medio tiempo, no sólo no perdió vigencia, sino que salí reforzada, también «(What so funny ‘bout) Peace love and understanding» canción de Brinsley Schwarz su primera banda primeros de los 60’ que al contrario que la anterior, sonó más guitarrera incluso, mas “Baba O'riley”… 

 

...para acabar por todo lo alto a lo Chuck Berry con «Knew the bride (when she uses to tock and roll)» Breve bis de dos canciones, la primera para Los Stratijackets con otra versión Church key de  The Revels y ya con Lowe «When I write the book» con la que se despidió con la misma puntualidad, camaradería y simpatía con la que llegó. Un derroche de carisma y radiante sensibilidad.

 

La balada del mistral - OLIVER MAK-BOCHERD (Hola de lata) . Publicadoen la web Rock and Roll Army

Más que una novela es un cuento situado en la mediterránea Provenza francesa en el que principalmente los personajes masculinos, tras un fortuito hallazgo arqueológico, se verán obligados a relacionarse y entenderse, poniendo patas arriba su vida cotidiana. Una pareja adulta formada por un poco motivado director de escuela con frustradas aspiraciones arqueológicas y su mujer, además de sus vecinos el señor Sécallat campesino jubilado y su mujer enferma de Alzehimer.

 

Una trama bien urdida en la que el autor atrapa en principio con una serie de hechos narrados desde la intriga realista, para poco a poco ceder terreno ante sucesos donde lo irreal y mágico se tornan protagonistas, imbricándose e incluso mediatizando si así el lector lo desea (como el propio autor indica), los mitos y leyendas del lugar con la terrenal existencias del mismo.

 

La tradición como silenciosos ente, palpable en el devenir cotidiano a través de sus elementos naturales, protagonistas ancestrales que explican las costumbres de las gentes que habitan un territorio en el que el Macizo del Luberón, el Río Calavón o  el Mont Ventoux y especialmente el Mistral fuerte viento del Norte imprimen carácter y explican buena parte del presente y pasado de los habitantes de esta tierra dominada por las calizas y las aguas que por ella se filtran. 

 

Realidad y ficción se mezclan en esta parábola vista además por los cómplices ojo de un gato con nombre propio El Húsar que observa y percibe lo que ocurre como nexo que vínculo lo biótico con lo abiótico como metáfora de dos mundos no tan alejados que conviven en el mismo lugar: el de los druidas y hechiceros prerrománicos en contacto con la naturaleza  y el de sus contemporáneos sucesores alejados de ella. 

 

CASS McCOMBS (28-9-22) Teatro Lara - Madrid. Publicado en la web Ruta 66

 

Se encuentra cómodo el californiano en su estancia madrileña. Es la cuarta vez en ocho años que visita el entrañable teatro de la Corredera Baja, y aunque en esta ocasión no se llenó, la magia volvió a hacer acto de presencia entre los vetustos palcos y platea. Una austera puesta en escena con el escenario acotado por telones negros y la sobria, pero cercana presencia de Cass, sumado al excelente sonido, propició de nuevo el ambiente ideal en el que presentar las canciones de su nuevo disco ‘Heartmind’ que defendió en cinco de sus ocho canciones.

En esta ocasión se presentó en formato reducido a trío y prescindiendo de teclados y arreglos, aún así bien arropado por la batería en su doble función de percusión, logró mecer en sus butacas al respetable con sinuosa elegancia, pero también zarandear al mismo con la repetitiva y electrizante energía generada por su inseparable Telecaster.   

Tras un comienzo de titubeante intimidad con «Robin egg blu» comienzan ligeramente a moverse los pies que se cruzan sobre la pierna de apoyo del público en sus asientos… que en «Karaoke» una de las más animadas del disco a presentar, se aceleraron unidos a ligeros golpes de dedos sobre los brazos de las butacas. A pies y mano se unieron ligeros movientes de cadera en lucha por desembarazarse del encorsetamiento del asiento… con la aplaudida presencia de «Big wheel» que fue creciendo hasta estallar en la primera tormenta guitarrea de la noche...

…pero los cuerpos recuperaron su sereno asiento cuando McCombs miró al pasado y rescató de su primer disco «Bobby king of  boys town» que sonó muy playera como luego lo haría «Brighter!». Ligeros giros con los que seguir persuadiendo. Enlazó después tres canciones seguidas que también aportaron solidez al repertorio con la energía pop de «New earth» para volver a tentar los resortes corporales. En el tramo final la infalible «Bum bum bum» que volvió a sonar hipnótica, para finalizar intrigante con «Sleeping volcanoes» y ya en el bis con la tensión agridulce de «That’s that». Otra grata de visita para estar por casa… con guitarra y zapatillas. Hasta luego Cass